El próximo 28 de marzo, el museo londinense inaugura la primera gran muestra dedicada a la Maison en Reino Unido.
«Para mí, el diseño de vestido son es una profesión, sino un arte», aseguró en algún momento de su vida Elsa Schiaparelli. Ahora, bajo esa premisa se construye la exposición ‘Schiaparelli: Fashion Becomes Art’, que recorre casi un siglo de historia -desde los años 20 hasta la actualidad- para trazar el impacto de una figura que dinamitó los códigos de la moda moderna.
Con más de 400 objetos en exhibición, incluyendo 100 looks y 50 obras de arte, la muestra se compone de vestidos, accesorios, joyas, fotografías. perfumes, muebles y material de archivo que conviven en un relato que sitúa a la diseñadora en el epicentro de una red creativa que conectó París, Londres y Nueva York en el periodo de entreguerras.
Entre las piezas más relevantes destacan el Skeleton Dress (1938) -el único ejemplar conservado- y el Tear Dress, ambos concebidos junto a Salvador Dalí. También aparece ese objeto imposible convertido en icono: el sombrero-zapato invertido. El surrealismo llevado al cuerpo.
El diálogo artístico se amplía con obras de Pablo Picasso, Jean Cocteau, Man Ray o Eileen Agar.
‘Schiaparelli: Fashion Becomes Art’ se estructuralista en cuatro capítulos que funcionan como capas de lectura de su universo creativo. ‘Diseñando el vestuario moderno’ arranca en 1927, cuando Elsa abrió su primera boutique en París bajo el nombre Pour Le Sport. Desde ese punto inicial -marcado por un jersey con lazo en trampantojo- se despliega una evolución que incluye desde ropa deportiva hasta líneas como Pour la Ville (con trajes de pantalón en una época en la que vestirlos era casi un acto político) o Pour le Soir, donde la fantasía se materializa en vestidos de lamé dorado o cenas surrealistas bordadas sobre tejidos.
Los accesorios tampoco se quedan atrás: sombreros en forma de trenzas, zapatos imposibles, animal prints… Todo responde a una lógica que ahonda en lo onírico. En ‘Constelaciones creativas’, el foco se desplaza hacia sus colaboraciones con el núcleo duro del surrealismo. Aquí, el reconocido Teléfono Langosta de Dalí dialoga con el vestido Langosta de 1937; mientras un abrigo creado junto a Cocteau dibuja rostros que se transforman en jarrones de rosas.
También aparecen nombres clave como Alberto Giacometti, Leonor Fini o Meret Oppenheim, en una red de colaboraciones que redefinieron la historia de la diseñadora. Incluso frente al desprecio de Coco Chanel -quien la redujo a «esa artista italiana que hace ropa»– Elsa consolidó su lenguaje híbrído como uno de los más influyentes del siglo XX.
La tercera sección, ‘Beyond Paris’, explora su expansion internacional y su capacidad para construir una imagen pública antes de que existiera el concepto de «marca personal». En 1993 abre su salón en Mayfair, marcando el inicio del surrealismo británico y posicionando Londres como extensión natural de su universo. Aquí aparecen piezas raramente vistas como un traje de terciopelo burdeos con bordados dorados, looks diseñados para la coronación de George VI o el vestido de novia de Rosalinde Gilbert. También destaca su incursión en el cine y el teatro, con diseños para figuras como Mae West o Marlene Dietritch.
El cierre llega con ‘A Golden Thread’, donde el pasado conecta directamente con el presente bajo la dirección creativa de Daniel Roseberry. Desde 2019, el estadounidense ha reactivado la esencia surrealista de la Casa desde su histórica sede en la Place Vendôme de París, todo a través de su visión contemporánea.
Sus diseños -esculturales, teatrales, cargados de simbolismo- han vuelto a situar a Schiaparelli en el centro de la conversación.
Sigue toda la información de HIGHXTAR desde Facebook, Twitter o Instagram
Podría interesarte…
