La edición de 2024 de CAN Art Fair se está celebrando, como en los años anteriores, en FECOEV, el recinto ferial de la isla. Durante cinco días, Ibiza es el punto de encuentro para artistas, coleccionistas, aficionados al arte y personalidades de todo el mundo. Recopilamos a los 10 artistas menores de 30 años que están exponiendo su obra en la feria de arte de Ibiza, CAN Art Fair.
Danny Leyland, Arusha Gallery
Danny Leyland (n. 1994) es un artista de Oxford, Reino Unido. Su práctica está liderada por la pintura, pero también abarca el dibujo, la impresión y la escritura. Desde que se graduó de la Escuela de Arte de Edimburgo en 2016 (Licenciatura en Pintura), Leyland ha exhibido internacionalmente, en Australia, India y el Reino Unido, con destacados como RSA New Contemporaries (2017), una presentación individual en la Galería Arusha (2020) y el Festival de Arte de Edimburgo (2021). Leyland ha sido dos veces galardonado con la Beca Elizabeth Greenshields (2021, 2023).
Las pinturas de Leyland evocan escenas y experiencias cotidianas, representaciones de los pisos en los que ha vivido, escenas de viajes de camping, y así sucesivamente. Estas representaciones están obstruidas y perturbadas en una proliferación de imágenes, pintadas de tal manera que disuelven los límites entre las cosas. Hay momentos en las pinturas de Leyland que prometen un sentido de erupción inminente o contacto, donde las figuras están en posición como si estuvieran mirando algo que está a punto de suceder. Tales momentos forman puntos de deslizamiento donde las instancias visuales del pasado pueden ocurrir en el presente.
Grace Lee, Enari Gallery
Grace Lee es una artista que vive y trabaja en Londres. Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en Goldsmiths en 2017 y obtuvo un MFA en Bellas Artes, Pintura, en la Escuela de Bellas Artes Slade en 2021. Recientemente tuvo su primera exposición individual en Huxley Parlour en Londres, y ha participado en exposiciones colectivas internacionalmente en galerías como South Parade y NOVA contemporary.
Barbana Bojadzi, Galleria Continua
Nacida en 1996, Barbana Bojadzi es una artista originaria de Kosovo que actualmente vive y trabaja en Provins, Francia. Se graduó en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París en 2021, con honores del jurado. En Beaux-Arts, fue asesorada por Dominique Gauthier, Nina Childress y Dominique Figarella.
En su práctica artística, Barbana Bojadzi se interesa especialmente por la memoria asociada al gesto, la idea de huella y su relación con el Tiempo. Sus obras de arte se caracterizan por la acumulación de capas, colores y texturas, creando así una estratificación de significados y materiales, donde la imagen emerge por un mecanismo de extracción. Barbana Bojadzi siempre busca nuevos procesos técnicos, destacando materiales usados y recuperados que reflejan la humildad y sencillez que encontramos en su trabajo.
Barbana Bojadzi ganó recientemente el Premio Khalil de Chazournes, otorgado por los Amis des Beaux-Arts de Paris, así como el Premio Sisley – Beaux-Arts de Paris a la Creación Joven 2023, y una de sus obras ahora forma parte de la Société Colección de Arte General. También formó parte de numerosas exposiciones colectivas, entre ellas «Société Générale Art Collection» en la Torre Société Générale, Puteaux (Francia) y «Felicità» en POUSH, Aubervilliers (Francia).
Marta Spagnoli, Galleria Continua
Marta Spagnoli (Verona, 1994) vive y trabaja en Venecia. Se licenció en Pintura en la Academia de Bellas Artes de Venecia. La práctica artística de Marta Spagnoli se centra principalmente en la pintura y el dibujo. A través de ellos investiga las características de la huella y el marcado, considerado como una “acción natural” y punto de partida para el desarrollo de lienzos de mediano y gran formato. Elementos orgánicos, mitológicos y antropomórficos se entrelazan entre sí y animan un espacio en evolución, libre de colocaciones temporales y espaciales. El blanco del lienzo en blanco es el punto de partida y el principal interlocutor del desarrollo cromático y narrativo de las obras, color y materia que reescribe constantemente la estructura de cada imagen. Entre los temas que más le interesan se encuentra el estudio de la constante reciprocidad entre la experiencia humana, la dimensión animal y el entorno que los acoge.
Fern Liberty Campbell, Laetitia Gorsy-She BAM!
Fern Liberty Kallenbach Campbell (*1995 en Nueva York) vive y trabaja en Halle Saale, Alemania. Fern estudió diseño de comunicación en Burg Giebichenstein y completó su licenciatura en 2021 con un enfoque en ilustración bajo la tutela del Prof. Georg Barber. En 2021 recibió el Premio de Diseño de Giebichenstein por la mejor idea/concepto. En 2023 completó su diploma en arte textil, en la clase de la Prof. Caroline Achaintre. En 2024, su diploma ganó el primer lugar en el premio de arte de la fundación Saalesparkasse. En 2024, Fern participará en la Beca Internacional en Villa Aurora en Los Ángeles. El trabajo de Fern ha sido exhibido en Berlín, Halle, Leipzig, Braunschweig, Erfurt, Praga, Moscú, Amberes, Ginebra y Londres, entre otros lugares.
A través del arte textil, Fern manifiesta su psique y su visión satírica de su entorno, explorando simultáneamente la correlación entre estos dos ámbitos. Utiliza su trabajo para expresar nuestro espíritu del tiempo lleno de spam y cibersexo, abuso de sustancias y excesos, relaciones tóxicas y divinidad femenina. Con un estilo ingenuo, una mezcla infantil de arte pop y arte marginal, Fern procesa sus experiencias de vida y representa anécdotas personales en forma de tapicería. El trabajo más reciente de Fern se centra en las dificultades de establecer límites hacia las personas más queridas.
Aquí, los límites entre el bien y el mal se vuelven borrosos, al igual que los límites entre la automedicación y la adicción, el caos y la armonía. La mesa del comedor es un elemento recurrente en sus obras. Fern explora sus realidades personales y digitales y se involucra con ellas a través del tufting de alfombras, el punzonado y la aplicación textil. Aprecia el trabajo rápido y apasionado que estas técnicas le permiten hacer. Le permiten aplicar líneas, estructuras y formas intuitiva, espontánea y completamente libremente.
Sam Werkhoven, Kersgallery
Sam Werkhoven es un artista holandés nacido en 1997. Recién graduado de la Universidad de las Artes de Utrecht. La obra de Sam Werkhoven se centra en su fascinación por la luz. Respondiendo y reconectándose con obras de la historia del arte, crea un diálogo entre el pasado y el presente. Uno de los claros ejemplos es su serie Sky, en la que conecta con los pintores holandeses del siglo XVII sobre el tema de la luz holandesa. Actualmente participa en la residencia Dooyewaard y su reconocimiento está creciendo en los Países Bajos como aspirante a artista.
Christian Franzen
Las pinturas de Christian Franzen repiten continuamente un conjunto distinto de temas; el sol se pone en el océano Pacífico a través de una vista turbia y rayada; un búho señuelo, a veces escondido bajo una tela blanca, se refleja desde algún lugar esquivo en otra parte, tanto detrás como más allá. Como si evocara un encuentro perdido, varias etapas del atardecer refractan repetidamente el agua oscura. Los destellos casuales de luz rebotan bruscamente en mareas reflejadas que brillan más que los cielos brumosos de arriba. Haciendo eco del sol, orbes de resplandores y destellos prismáticos flotantes sugieren, pero nunca revelan, un dispositivo de grabación o una fuente de observación.
Lanzado desde un “otro espacio” inaccesible en un reflejo más allá de las puestas de sol y las salidas de la luna, un búho señuelo está presente en ausencia. Así como el recuerdo del atardecer está destinado a ser una proximidad conjurada que gira pero nunca llega a su origen, el búho fija su mirada de criatura justo más allá de la representación. Atrapado en un doble vínculo lingüístico, el señuelo es siempre una imitación, un sustituto, definido explícitamente como no la cosa. Al realizar la permanencia del objeto en un juego de escondite, el señuelo se autoniega aún más al «desaparecer» detrás de una sábana.
En una búsqueda exhaustiva de “aquello que para empezar hizo que la puesta de sol tuviera significado”, el desgaste y el deslizamiento aparecen en la visión desgastada por el tiempo. Si bien dan la ilusión de una barrera maltrecha similar al parabrisas de un automóvil, los rayones, goteos y manchas no se representan mediante técnicas de trampantojo, sino que se esconden a simple vista como manchas y raspaduras en la superficie de la pintura. Al forjar la escena de la imagen con la realidad material del espectador, estos momentos colapsan el espacio real e ilusorio, atravesando el tacto. La puesta de sol de Franzen es una puesta de sol específica. Es también un recuerdo de aquel atardecer recordado compulsivamente.
Reiterado una y otra vez, el atardecer especial se multiplica, acumulándose en un extraño índice de días no lineales ganados o perdidos. En variaciones al descender hacia la noche, los suaves atardeceres encienden mares hipnóticos. La escena se detiene, rebobina y comienza de nuevo en otro intento de recordar la puesta de sol junto a la playa y la aparición del señuelo. El encuentro absurdo insiste en ser escaneado, estudiado, ralentizado, reproducido. Al regresar con ojos diferentes en cada vuelta, la memoria es examinada y, por lo tanto, señala un momento que nunca llega por completo. -Marie Heilich
Christian Franzen (n. 1994) es un artista que vive en Los Ángeles, CA. Recibió su BFA de la Universidad Estatal de California en Long Beach en 2018. Ha participado en exposiciones colectivas en James Cohan (Nueva York, próximamente), In Lieu (Los Ángeles), Sow & Tailor (Hong Kong) y Peripheral Space (Los Ángeles). ), entre otros. En octubre de 2023, su trabajo se exhibió en la galería In Lieu en una presentación individual en Frieze London.
Manu García Fernández, La Bibi
Manuel García Fernández nació en Oviedo, el 1994, es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, actualmente reside en Oviedo donde comparte estudio con Edu Carrillo. En general la temática de su obra es autobiográfica, funciona como una especie de diario, centrado sobre todo en la idea de habitar y acercarse al mundo desde la actividad artística; partiendo de la idea de juego, no entendiendo esto como algo no serio, generando imágenes y espacios para relacionarse con el resto y consigo mismo; uniendo aspectos que aparentemente están alejados de lo lógico, en un campo donde puedan compartir espacio pulsiones primitivas con la estética fragmentada de lo virtual, donde lo importante puede estar en un lazo con otras personas, en un color, en un objeto o en una huella; cayendo constantemente en situaciones contradictorias donde lo festivo puede ir de la mano con el miedo y con la risa.
Andrei Pokrovskii, Osnova
La práctica de Andrei Pokrovskii (nacido en 1996) está principalmente dedicada a explorar el fenómeno del espacio y sus características. Los entornos de diversos tipos creados por Pokrovskii parecen oníricos, de otro mundo y teatrales. La elección del artista de perspectiva, colores y tonos hace que el espectador experimente una sensación entre la nostalgia y el sueño. Las escenas creadas por Pokrovskii aparecen como fragmentos de la naturaleza fugaz, apenas contando una historia completa. La sensación de que algo se está ocultando o minimizando parece ser un motivo esencial.
El espacio, la imagen de un lugar, sería el personaje principal y el interés de la investigación y práctica de Pokrovskii. Las figuras que aparecen en sus obras deben entenderse como elementos de la unidad compleja total, colocados allí para manipular la experiencia del espectador del entorno. El artista no solo está interesado en examinar la naturaleza de un espacio en sí mismo, sino que también procede a explorar la relación entre sus escenas y las emociones, sentimientos y memoria del espectador.
Andrei Pokrovskii se enfoca principalmente en la pintura y la gráfica, aunque, las últimas series ilustran su nuevo enfoque complicado para explorar la relación entre interiores y exteriores. El artista agrega paneles de contrachapado cortados con láser y elementos esculpidos a mano en madera de tilo a sus pinturas sobre una superficie de madera. Esta técnica le permite ampliar los límites de la imagen. Gracias a los elementos de madera, la pintura se vuelve más material, menos ilusoria, acercándose más al espectador y a la imagen misma. Pokrovskii está dispuesto a difuminar los límites entre la obra y un espectador, por lo tanto, los elementos y paneles de madera tienen la capacidad no solo de salvar la brecha entre la imagen y un espectador sino de transformar la obra en un artefacto del lugar que originalmente representa.
Laurens Legiers, PLUS-ONE Gallery
Nacido en 1994 en Amberes, Legiers comenzó a dibujar paisajes antes de inscribirse en el Departamento de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Amberes, donde finalmente pudo enfocarse únicamente en su trabajo artístico. Mientras que los paisajes permanecieron como una constante en su práctica, su forma de representarlos se ha desarrollado progresivamente hasta llegar al enfoque único que ahora sigue tanto en sus pinturas como en sus dibujos. […] Una cierta inmensidad se sugiere mediante recortes radicales y primeros planos, que dan la impresión de estar enfocados en un detalle de algo presente en abundancia serial. Legiers domina un notable sentido del equilibrio y el contraste, siempre asegurando un indicio de movimiento en sus imágenes abiertamente quietas, estáticas y compuestas.
Victor Verhelst, PLUS-ONE Gallery
El trabajo autónomo de Victor Verhelst consiste en medios muy diversos: desde mantenerlo digital, hasta piezas únicas de impresión riso, desde grandes tapices de pared hasta obras con tecnología de juegos interactivos, pero siempre partiendo de su lienzo digital donde nacen sus series en curso ‘trippy vegas’ -que luego se transformaron en ‘TOXIC HAWAII’-: su concepción de una ciudad digital en crecimiento que consiste en paisajes urbanos virtuales y edificios.
La distorsión y yuxtaposición de planos de imagen 2D y 3D en la creación de combinaciones de colores figurativas caracteriza su estética. El material impreso – desde digital hasta 3D, desde risografía hasta textil – forma su punto de partida, siempre trabajando con la relación de la materialidad con la imagen (digital) preexistente.
Joshua Michael Adokuru, Ross Sutton Gallery
Joshua Michael Adokuru, nacido en 1999 en Suleja, Nigeria, es un artista autodidacta que comenzó con el hiperrealismo en 2017. Se graduó en ciencias de la computación por la Universidad Nacional Abierta de Nigeria (N. O. U. N) en Abuja en 2022. Encontró su voz utilizando su medio actual hace apenas 4 años: trabajando con cuerdas, clavos y acrílico sobre tabla, que utiliza para representar figuras humanas negras. «Intento mostrar cuán hermosa y significativa es la melanina negra, así que uso medios inusuales para lograrlo».
Joshua comenzó a dibujar en 2017 con su primer encargo de un retrato, lo que le hizo creer en un futuro para él en el arte. “Mi entorno y las personas a mi alrededor me inspiraron a pintar. Me encanta capturar la expresión facial de las personas que pinto (creo) porque las expresiones faciales son una forma de comunicación no verbal. He tenido muchas respuestas memorables a mi trabajo que me motivan a esforzarme aún más. En mis obras, intento transmitir cómo vi el estado emocional del individuo a los observadores”.
La belleza y el talento del trabajo de Joshua Michael Adokuru, artista autodidacta de Abuja, Nigeria, quien realmente ha llevado el «arte con cuerdas» a un nivel totalmente diferente. Es un científico de la computación, pero el arte es su verdadera pasión. Lo que siempre me ha hablado como curadora, coleccionista y galerista en los casi 4 años que he tenido el placer de conocer y trabajar con Josh es su sensibilidad que es claramente visible en su obra. Sus sujetos son principalmente niños pequeños y jóvenes, retratados con amor y ternura.
CB HOYO, Plan X
CB Hoyo (La Habana, 1995) aborda temas que suelen ser pensados por muchos pero hablados por pocos: el impacto de las redes sociales, el consumismo, los valores morales, la condición humana, … El artista autodidacta cubano encuentra en el arte del texto el camino para desarrollar su propia voz artística y comprensión de la vida. Trabaja entre Instagram, el reino virtual, y su estudio en Europa hacia la creación de nuevas dimensiones donde la conciencia y el arte se convierten en un lenguaje universal.
CB Hoyo es un artista multidisciplinario cuya práctica consiste en pinturas, esculturas e instalaciones. Desafiando los cánones clásicos del arte con una estética lúdica, desafía nuestras expectativas sobre la pintura y reinterpretar completamente su medio en un contexto moderno. Su obra es una extensión de la vida que transforma el lenguaje en un espectáculo visual provocativo.
Vibrantes en color y sorprendentes en personalidad, las obras de CB Hoyo exploran humorísticamente los pensamientos y comportamientos de la humanidad. Captura y satiriza la esencia de la sociedad contemporánea. Sus obras constituyen la prolífica y reflexiva red de alegorías del artista hacia la nueva y extraña normalidad en la que vivimos. Todas ellas se proponen desde una perspectiva muy personal, marcada por sus propias experiencias y observación de las preocupaciones humanas.
Izzie Bernie, Plan X
Izzie Beirne (n. 1996) es una artista del Reino Unido, con sede en Londres, originaria de Newcastle Upon Tyne. Beirne trabaja principalmente con pintura junto con cerámica, creando obras que tratan temas de violencia sexual, el proceso de curación de esta y una reivindicación del placer. Beirne utiliza el video como una herramienta en su trabajo creando pinturas que tienen una calidad cinematográfica. Su trabajo está influenciado por experiencias vividas, noticias y medios de comunicación, así como películas como ‘The Cook, The Thief, His Wife and Her Lover’ de Peter Greenaway.
Beirne se graduó de la Universidad de Goldsmiths en Londres en 2023 con una maestría en bellas artes, ganó el Premio Almacantar por su trabajo en la exposición de posgrado y fue seleccionada para el Premio Acme y el Global Design Graduate Show. Los temas en el trabajo de Izzie Beirne rodean la violencia sexual y el trauma, el proceso de curación de esto y una reivindicación del placer. El proceso de Beirne comienza haciendo películas que actúan como puntos de referencia para sus pinturas. En los videos, alimentos como frutas y crema son aplastados y desgarrados, los jugos se filtran a través de acciones maníacas y violentas. La comida se convierte en una metáfora del cuerpo y las manos frenéticas son los perpetradores. A partir de estas películas, Beirne encuentra imágenes fijas para transformarlas en pinturas, a través de la pintura evolucionan como su propia obra, volviéndose más abiertas a la interpretación.
Las pinturas tienen una calidad sensual en cómo se producen, lujosas en color, lo que habla del aspecto del placer del trabajo. Al mismo tiempo, tienen una calidad ominosa, con las manos frenéticas siempre presentes en los lienzos, acechando sobre la escena desgarrada y quebrada debajo. Beirne utiliza la cerámica para añadir al nivel de incomodidad que permea el trabajo, creando piezas que hacen referencia a la decadencia, fragilidad y lo grotesco. Gusanos de cerámica, larvas y platos de frutas y crema crean un diálogo incómodo con las pinturas etéreas. Este tirar y empujar en las obras es importante para capturar los temas en su práctica que son desordenados, desgarradores y difíciles de digerir.
Mirjam Vreeswijk, Plan X
Las pinturas de Mirjam Vreeswijk (n. Gorinchem, Países Bajos, 1997) contienen un campo de tensión característico. Son hermosas y repulsivas, oscuras y alegres, grandiosas y decorativas al mismo tiempo. Estructuras intangibles de fenómenos naturales como cascadas, lagos, flujos de lava y explosiones se vuelven tangibles y ornamentales al tomar la forma de rosas o estar unidas por un lazo. Al hacerlo, crea una atmósfera melancólica, inquietante y espeluznante y, sin embargo, maravillosa y encantadora.
Su forma intuitiva o subconsciente de trabajar le da a las pinturas un aire surrealista. Diferentes realidades se entrelazan, y así el trabajo invita a su propia interpretación. Crea la sensación de un sueño febril, en el que las imágenes y los significados se fusionan. Juega con lo que es real o una ilusión, lo que tiene profundidad o es realmente plano. Su trabajo muestra un constante proceso de revelación y ocultación. Lo reconocible y lo extraño, lo manejable y lo improbable alternan constantemente. La intención es que el espectador pierda su agarre. La recompensa por soltarlo es el deseo, la libertad, el escapismo, las posibilidades ilimitadas y una nueva realidad.
Su trabajo surge de collages, objetos o imágenes que le llaman la atención. Por ejemplo, cintas brillantes, cartón, telas e imágenes de libros de trabajo decorativos de los años 80. A partir de este archivo de materiales, construye intuitivamente composiciones, primero en maquetas, luego en el lienzo. Paso a paso, observa lo que necesita la obra para finalmente lograr la composición perfecta y las estructuras de pintura. A través de esta forma de trabajar, el trabajo toca elementos de fotografía de productos, naturalezas muertas y pintura de paisajes.
Sigue toda la información de HIGHXTAR desde Facebook, Twitter o Instagram