Caminar por Madrid en pleno mes de junio implica convivir con el asfalto ardiente y una saturación de estímulos urbanos que rara vez da tregua. Sin embargo, el sofoco estival encuentra su contrapeso perfecto en la inauguración de PHotoESPAÑA 2026. Convertido desde su nacimiento en 1998 en la mayor cita internacional con la fotografía y las artes visuales de nuestro país.
Durante todo el verano, arrancando con fuerza en junio y extendiéndose hasta el otoño o incluso finales de año, el festival transforma museos nacionales, fundaciones de renombre y galerías subterráneas en auténticos refugios de disidencia visual. Bajo el lema conceptual de esta edición, Volver a imaginar, la cita nos obliga a parar y resetear la mirada frente al consumo pasivo de imágenes hiperprocesadas en redes sociales.
Esta es nuestra selección de las 8 exposiciones imprescindibles de PHotoESPAÑA para decodificar el zeitgeist de la moda disruptiva, la contracultura y la crítica social actual:
1. Talia Chetrit: Bunny
- Dónde: Museo Lázaro Galdiano (Calle de Serrano, 122)
- Cuándo: 6 de junio al 30 de agosto de 2026
Entrar en las salas opulentas del Museo Lázaro Galdiano, rodeados de arte clásico, para toparse de frente con la crudeza de Talia Chetrit provoca un cortocircuito mental inmediato. En su primera gran muestra institucional en España, la fotógrafa de Washington subvierte de manera brillante las dinámicas de poder que históricamente han regido el male gaze.
Lo que nos fascina de Bunny es cómo Chetrit utiliza el exhibicionismo no como un fin provocador, sino como un riguroso ejercicio de vulnerabilidad. Al ver de cerca sus copias en blanco y negro, uno experimenta una intimidad casi incómoda, casi voyerista, que luego estalla en la cara del espectador al girarse hacia sus impresiones a color de gran formato. Es fotografía de moda desvestida de comercialismo; una negociación constante entre el cuerpo, el erotismo y el espectador que se queda grabada en la retina mucho después de salir a la calle Serrano.
2. Gema Polanco: Toda mi casa es un altar
- Dónde: Museo Nacional de Artes Decorativas (Calle de Montalbán, 12)
- Cuándo: 13 de junio al 25 de octubre de 2026
De la artista valenciana Gema Polanco nos atrae enormemente su capacidad para desbordar los límites de la fotografía bidimensional, expandiendo el medio hacia una instalación textil de texturas pesadas y actitud puramente punk.
Al cruzar el umbral del gran tapiz suspendido en la escalera, entras en un universo donde el trauma doméstico se sana a través del misticismo pagano y el Do It Yourself. Las piezas de Polanco, banderas, amuletos, collages viscerales, conviven con el patrimonio histórico del museo de una manera orgánica. Hay algo muy puro en su aproximación intuitiva a los materiales cotidianos. Nos demuestra que la artesanía popular y el lenguaje de la calle pueden unirse para levantar un refugio de resistencia identitaria.
3. Viviane Sassen: LUX & UMBRA
- Dónde: Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa (Plaza de Colón, 4)
- Cuándo: 3 de junio al 26 de julio de 2026
Es, sin duda, uno de los platos fuertes de la agenda cultural de Madrid para este 2026. Viviane Sassen no necesita presentación para cualquiera que devore editoriales de alta moda, pero ver su obra autoral reunida bajo el subsuelo de la Plaza de Colón es una experiencia mística. La retrospectiva huye sabiamente del orden cronológico aburrido para plantearse como un ecosistema visual vivo.
Al detenernos ante imágenes de sus míticas series Flamboya o Parasomnia, percibimos con total claridad la enorme influencia de su infancia en Kenia. Sassen utiliza las sombras como esculturas geométricas y el color saturado como un bisturí para rajar la realidad. Su tratamiento de la figura humana, especialmente de la comunidad africana, esquiva cualquier rastro de cliché.
4. Gorka Postigo: Nunca conocerás a mis nuevos amigos
- Dónde: ANTOXANA
- Cuándo: 20 de junio al 13 de septiembre de 2026
El proyecto de Gorka Postigo en ANTOXANA es una de las paradas más emotivas y necesarias del festival. Nacida desde la cicatriz de una pérdida personal, la exposición funciona como un mapa de afectos de la cultura juvenil global, conectando rostros y realidades capturados en metrópolis tan dispares como París, Río de Janeiro, Tokio o Abiyán.
A diferencia del retrato documental frío o de la típica foto de street style calculada, Postigo nos invita a formar parte de una comunidad efímera. Su enfoque celebra la belleza queer y el concepto de la «familia elegida» como mecanismos de salvación frente a la hostilidad del mundo exterior. Es un cuestionamiento bello e íntimo de los roles de la masculinidad hegemónica a través de la resistencia de la piel y la mirada.
5. Cristina Stolhe: No te preocupes si no
- Dónde: El Chico (Calle de Zapatería, 6)
- Cuándo: 11 de junio al 24 del julio de 2026
La galería El Chico, un espacio que siempre tenemos en el radar por su ojo clínico para el talento emergente, acoge la segunda individual de la pontevedresa Cristina Stolhe. Lo que la convierte en una parada obligatoria para los amantes del minimalismo conceptual es cómo Stolhe desafía la idea de la fotografía como un objeto estático.
Su instalación subvierte sutilmente la percepción del espacio doméstico. No busques aquí respuestas fáciles; las imágenes de Stolhe operan como fragmentos de una memoria compartida, dejando que los hilos sueltos de la narrativa los ate el propio espectador. Es una propuesta cargada de una sofisticación cruda que atrapa por completo.
6. Richard Avedon: In the American West
- Dónde: Fundación MAPFRE. Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 23)
- Cuándo: 6 de junio al 30 de agosto de 2026
Publicado originalmente en 1985, este proyecto sigue siendo el espejo más despiadado de las grietas socioeconómicas de Estados Unidos. Frente al fondo blanco inmaculado que popularizó Avedon, desfilan mineros polvorientos, vagabundos de mirada perdida y camareros exhaustos de veintiún estados americanos.
Al analizar los detalles de las copias de referencia directas de su laboratorio, resulta inevitable trazar paralelismos con el panorama actual: Avedon estaba retratando a las clases trabajadoras aplastadas por el neoliberalismo salvaje de la era Reagan. Su técnica rudimentaria, heredada de los fotógrafos itinerantes del siglo XIX, dota a estos rostros de una monumentalidad y dignidad sobrecogedoras. Un clásico imprescindible del realismo social.
7. Alejandro Cartagena: Ground Rules.
- Dónde: Fundación MAPFRE. Sala Recoletos (Paseo de Recoletos, 23)
- Cuándo: 6 de junio al 30 de agosto de 2026
Compartiendo espacio físico y temporal con Avedon en Recoletos, la retrospectiva de Alejandro Cartagena es el complemento perfecto para entender la evolución del paisaje social suburbano. A través de más de dos décadas de carrera, este fotógrafo mexicano-dominicano ejecuta una demolición absoluta del concepto tradicional del “momento decisivo” bressoniano.
Nos detuvimos un buen rato ante las imágenes de Carpoolers, esos encuadres cenitales de obreros durmiendo sobre las cajas de camionetas en movimiento que parecen un editorial de streetwear distópico pero que encierran una cruda realidad laboral. Al cruzarlas con Suburbia Mexicana o su aclamada trilogía dedicada a la frontera entre Estados Unidos y México, su obra rechaza cualquier jerarquía visual. Cartagena construye imágenes donde lo colectivo devora a lo individual, visibilizando crisis habitacionales, migratorias y medioambientales urgentes con una coherencia plural descarnada.
8. Laia Abril: Endometriosis. El dolor silenciado 1860 – 2026
- Dónde: Museo del Romanticismo (Calle de San Mateo, 13)
- Cuándo: 2 de junio al 13 de septiembre de 2026
Terminamos nuestro recorrido en el madrileño barrio de Justicia, donde la Premio Nacional de Fotografía 2023, Laia Abril, firma la instalación más visceral, política y abrumadora de todo el festival. Ubicar esta crítica descarnada sobre la biopolítica médica dentro del Museo del Romanticismo es una genialidad curatorial.
Abril realiza una demoledora investigación visual que expone el sesgo de género sistemático de la medicina, el cual sigue asumiendo el cuerpo masculino como norma universal. Al observar los retratos fragmentados de siete personas que padecen endometriosis, se palpa la necesidad de disociación psicológica para sobrevivir al dolor crónico frente al abandono institucional. La artista conecta los métodos ginecológicos del siglo XIX, cuando el dolor pélvico severo se tachaba de «histeria femenina», con la deslegitimación que sufren las pacientes en pleno 2026.
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